KETIKA MUSIK HARUS DINILAI

Saya merasa sangat beruntung diberi kesempatan menyaksikan perkembangan komunitas gitar di Indonesia, dan saya telah melihat perkembangan yang sangat menggairahkan! Secara keseluruhan level-nya telah berkembang dengan sangat baik. Saya sangat senang melihat generasi muda gitaris-gitaris Indonesia, khususnya di edisi kompetisi valerio yang terakhir. Ada yang menyertakan repertoar musik dari abad 20/21 kontemporer (atonal) ke dalam program mereka. Sebuah era yang sangat penting dan eksploratif dalam kesejarahan musik, sebagian besar dari Eropa, USA, dan Jepang, lebih jarang dari Asia. Tetapi bagaimanapun di tahun-tahun belakangan saya telah melihat beberapa perkembangan di Indonesia. Khususnya di Jawa terkait dengan niche market-nya, termasuk musik kamar (chamber music), yang sangat positif bagi kerjasama antara gitaris dan komponis, memperluas pasar baik untuk skala domestik dan internasional yang bisa memicu rangkaian konser dan festival lainnya. Kita tahu bahwa beberapa sub genre musik atonal itu sulit dicerna bagi publik umum, Tetapi ada juga jenis-jenis musik kontemporer yang lebih menyenangkan, dan bisa juga disiasati dengan menyisipkan musik yang lebih tonal. Saya pribadi telah jatuh hati dengan musik kontemporer, ketika berumur 20 tahun, ketika saya menonton resital dari seorang pianis legendaris Pierre Laurent-Aimard memainkan musik Oliver Messiaen.

Kembali ke topik pembahasan, jika akan ada perkembangan lain ke depannya, saya berharap bisa melihat lebih banyak lagi di Indonesia. Yang sangat saya nantikan misalnya ada gitaris-gitars yang terinspirasi dari pentas musik instrumen lainnya, musik kamar, orkestra, musik vokal, opera, dan semua genre musik yang lain, khususnya repertoar barunya! Jadi, sebagai contoh, Kalau kamu memainkan musik dari Frdinando Carulli, maka dengarkanlah juga musik dari W.A Mozart, karena kamu akan mendengar pembentukan frasering dan artikulasi yang sama, hingga bisa menerapkan template yang sesuai. Kalau kamu memainkan musik Mauro Giuliani, dengarkanlah opera-opera Gioachino Rossini. Kalau kamu memainkan musik Bach, akan lebih baik kalau kamu membuat transkripsimu sendiri, berdasarkan sumber yang orisinal, dan bukan hanya meniru cara main gitaris lain saja.

Mendengarkan dan “mengimitasi” bukanlah hal yang buruk, karena dari situ pula sejarah musik bisa berevolusi! Bayangkan 300 tahun lalu, kamu tidak bisa menonton YouTube, atau mendengarkan rekaman. Dalam konteks itu, satu set karya Potpourri dari Giulliani secara literal dibuat untuk orang yang tidak bisa menyaksikan opera dari Rossini, mungkin karena tidak bisa membeli tiketnya. Mereka datang ke ruang-ruang pertemuan (salon/gathering) untuk mendengarkan versi miniatur opera (salon music). Contoh lain, ketika J.S Bach berumur 20 tahun di musim gugur 1705, di masa masih jarang sekali ada jalan di Eropa, dia memutuskan untuk berjalan sejauh 430-450 km dari Arnstadt ke Lubeck di Jerman untuk mendengar pentas Dieterich Buxtehude seorang komponis-organis terhebat pada saat itu. Maestro muda ini telah mempengaruhi banyak sekali komponis generasi-genarasi selanjutnya hingga termasuk para musisi jazz hari ini! Seharusnya setingkat itulah keseriusan komitmen yang dimiliki orang-orang dalam urusan mendengarkan musik, seolah-olah dipentaskan secara langsung hanya sekali, kalau perlu hingga tercatat dengan baik dalam ingatan, seperti halnya yang akan dilakukan para pendengar/komponis yang antusias.

Hari ini, kita hidup di dunia dan jaman yang berbeda sama sekali, diekspos secara berlebihan dengan konten yang melimpah, menuntut kapasitas perhatian dan fokus yang lebih sedikit. Gitaris-gitaris muda jaman sekarang mendengarkan musik dari Youtube yang kebanyakan adalah hasil salinan dari salinan lain yang tidak standard. Saya secara literal bisa tahu tren ini karena bisa melihat versi dan interpretasi gitaris-gitaris muda itu yang sangat jauh berbeda dari aslinya.

Memang kamu boleh bilang itu tidak buruk. Tetapi kalau tujuannya adalah konser atau mengikuti kompetisi di tingkat yang benar-benar internasional, maka status kita bukan hanya sebagai pemain tetapi juga sebagai kurator dan arkeolog seni abad lampau yang masuk sejarah musik itu. Karena itu mesti mempelajarinya sesuai dengan tradisi yang benar. Saya paham kalau musik seni barat (sebagaian besar repertoar standard konser dan kompetisi) itu lebih relevan bagi orang Barat sendiri yang familiar dengan seni dan tradisi dari sejarah mereka sendiri. Karena itulah saya berencana untuk segera membuat semacam kursus apresiasi musik yang tujuannya untuk menjembatani gap ini untuk murid-murid saya dan semua orang di Asia yang berminat, Jadi tunggu tanggal mainnya ya!

Saya ingin tunjukan rute lainnya yang lebih sulit, tetapi jauh lebih bermanfaat (lebih jauh, karena ini hal vital bagi gitar klasik standard sebagai instrumen yang punya banyak sekali kemungkinan teknik permutasi): Saya menyarankan supaya kembali ke score, kembalilah ke bluprint-nya, kembali ke awal dan lakukanlah hal yang juga dilakukan dirigen orkestra Pelajarilah score tanpa instrumen, dan tanpa rekaman dari musisi lain. Lakukan solfegio dan nyanyikan melodi, ritme-nya, rasakan dan bayangkanlah semua itu frase demi frase, persis seperti bagaimana kamu ingin musiknya berbunyi. Dengarkanlah musik dari komponis lain yang sejaman dengan komponis itu. Dengarkanlah kualitas pemainnya! Kalau ada di antara kalian yang ingin tahu dari mana harus memulai perjalanan mendengarkan, silahkan DM saya langsung. Saya bersungguh-sungguh soal ini. Saya dengan senang akan menjawab dan membantu. Yang perlu dicatat, bahwa para gitaris yang lulus dari berbagai universitas di Eropa di mana menjadi dirigien itu hukumnya wajib, biasanya cenderung lebih meyakinkan banyak juri internasional dan mendapat tempat pertama lebih banyak, karena mereka menginterpretasikan musiknya dengan lebih akurat.

Hal lainnya yang bagi saya penting untuk dikembangkan pada umumnya adalah soal suara yang diproduksi tangan kanan. Tangan kanan adalah produser suara, kuas yang kita gunakan untuk melukis di atas kanvas kita. Seperti artis Steinway yang juga bergantung dengan kerja teliti si mekanik pianonya demi produksi dan artikulasi suara yang tepat, seperti violinis yang bergantung pada presisi bow dan teknik bowing-nya yang secara literal membantunya membentuk frase; bagaimana bow berinteraksi dengan senar-senar biolanya…. Mengapa kita mesti sangat memperhatikan gerak jari-jari tangan kanan kita, bentuk kuku, dan penempatan jari pada senar? Karena dengan membuat suara yang bulat dan indah, penuh dan padat, akan memungkinkan senar-senar bergetar membentuk lengkungan sempurna (hanya bisa dilakukan dengan sentuhan yang tepat). Sehingga gitar kita (bagian top) benar-benar bisa bergetar dengan maksimal, memproyeksikan suara secara penuh ke seluruh sudut ruang konser. Itu semua adalah atribut mendasar bagi mereka calon-calon kompetitor yang sukses.

Komen terkahir untuk para peserta kompetisi tahun ini, berhati-hatilah dengan score. Bahkan jika kamu memainkan musik kontemporer. Saya mendengar ada beberapa kesalahan terjadi. Kalau berminat mengklarifikasi dan melakukan koreksi, saya mempersilahkan para finalis kemarin untuk men-DM saya. Untungnya saya juga familiar dengan repertoar yang mereka mainkan. Faktanya, komposisi abad 20 yang dimainkan di babak final kemarin, dianggap hampir seperti repertoar klasik aliran Mozart (“Mozartian”) versi abad 20. Terlalu banyak kesalahan membaca yang akhirnya mempengaruhi harmoni musiknya secara signifikan, dan banyak di antara anggota juri yang juga sangat familiar dengan reprtoar itu! Komentar lainya lagi, pelajarilah dengan baik edisi mana yang kamu mainkan. Sudah ada banyak edisi-edisi manuskrip yang lebih relevan tersedia hari ini, yang dilengkapi dengan blueprint asli dari si komponis, sehingga bisa menjadi materi untuk kreasi musikal yang lebih baik!